예술이란 무엇인가
역사 속 예술의 다양한 정의
주요 정보
피카소를 이해하려면 그의 맥락, 사상의 진행, 그리고 현상 유지에 대한 도전을 알아야 합니다
피카소의 시간이 지남에 따라
게티 박물관은 대중에게 도전했다 to recreate famous works of art recently, 이런 재미있는 글들이 레딧에 올라오게 되었습니다 1
왼쪽 원본 이미지의 스타일은 독특하며, 대부분의 분들은 피카소의 작품일 거라고 추측하실 겁니다. 비록 이전에 본 적이 없더라도(저도 본 적이 없었습니다). You’d be right.
물론, 이 글과 함께 “왜 이게 예술이지”, “아이도 이걸 그릴 수 있는데 끔찍하다”, “엘리트를 위한 탈세 행위” 같은 흔한 댓글들이 등장했는데, 이는 대부분의 현대 미술 작품에 수반되는 것들이다. 그 중 일부는 타당한 질문들이고, 어쩌면 예술의 일부는 실제로 money laundering 또는 tax evasion scam 2하지만 피카소가 왜 존경받는지 좀 더 자세히 살펴보겠습니다. 저는 미술 전문가가 아니며, 이 글을 쓰면서 배우고 있다는 점을 기억해 주세요. 주제를 유지하기 위해 피카소만을 이야기하겠습니다 Georges Braque 또한 그 시대의 핵심 인물이자 영향력 있는 인물이기도 합니다.
초기 시절
대부분의 예술은 맥락을 가지고 이해하는 것이 가장 좋으니, 피카소의 배경부터 시작해 보겠습니다. Picasso was born in 1881 to two artistic parents, 당시 예술에서 사실주의가 여전히 인기를 끌던 시기였습니다. 여기에는 아래에 있는 “예술가의 어머니 초상”이나 “과학과 자선”과 같은 걸작들이 포함되었으며, 분명히 재능 있는 사람이 그렸습니다. 이 작품들은 특정 시점에서 장면을 바라보는 듯한 순간을 포착하도록 그려졌습니다. 질감과 색채의 생생한 디테일, 깊이와 3D 느낌의 착시, 그리고 그림자를 드리우면서 빛이 어디서 오는지 알 수 있게 해주는 점도 눈에 띄었습니다. 마치 한 각도에서 사진을 찍은 것 같습니다.
“과학과 자선”에서 침대 시트의 구겨진 부분이 앞에 있는 부분과 뒤에 있는 부분을 암시하는 것을 주목할 수 있다. 베개의 음영 때문에 머리가 움푹 들어간 자국을 만드는 것처럼 착각한다. 남자의 털 솔에 자국이 자국을 남기며 아이의 곱슬머리에 다른 질감을 준다.
피카소가 위의 그림들을 보고 너무 어렵다고 판단해 평생을 반항하며 보냈다고 생각할 수도 있다 tiger parenting 점점 더 이상하고 이해가 안 되는 그림들을 만들어내는 것처럼요. 제가 집을 살 여유를 포기한 것처럼, 아마도 피카소도 예쁜 그림을 포기한 이유가 견딜 수 없었기 때문일 겁니다.
하지만 이 생각은 틀렸다 3, 위의 두 그림 모두 사실 피카소의 작품이기도 하다. 게다가 이 작품들은 그가 스무 살도 안 됐을 때 그렸다. 분명히 피카소는 그림을 잘 그렸고, 옛 거장들 못지않게 잘 그린다. 다음에 누군가가 피카소에게 재능이 없다고 말할 때, 그 사람에게 알려줄 수 있다 his earlier work.
이제 위 두 작품 후에 그린 또 다른 피카소를 보자:
무엇이 다른가요? 우선, 색이 변해서 저처럼 색맹인 사람도 구분할 수 있을 정도입니다. 이로 인해 큰 분위기 변화가 생겼고, 그림 전체가 어둡고 슬프며 고통스럽게 느껴집니다. 이미지도 이전보다 덜 사실적이고 디테일도 줄었지만, 여전히 기타를 든 사람임을 알아볼 수 있습니다.
무엇이 변하지 않았나요? 우리는 여전히 한 시점에서 장면을 보고, 그림 속 피사체의 한 가지 가능한 시점만 보고 있습니다. 깊이는 줄었지만, 여전히 어떤 것들이 다른 것들 앞에 있다는 것을 볼 수 있습니다. 마치 한 각도에서 사진을 찍고 나쁜 필터를 씌운 것 같습니다.
Kelly Richman-Abdou believes the shift in styles was due to depression caused by a friend’s suicide; 그녀의 지식에 맡기겠습니다. 피카소는 이제 실험을 하고 있으며, 사실주의에서 벗어나 단순히 이미지를 복제하는 것 이상의 예술이 무엇인지 탐구하고 있습니다.
입체파
1907년 피카소는 스캔들성이 강한 세잔과 아프리카 미술에서 영감을 받은 작품을 그렸다. “Les Demoiselles d’Avignon.” 이 작품은 바르셀로나 매춘업소에서 창녀들을 그린 작품으로, 입체파의 시작이 되었다. one of the most influential movements in art and a new way of representing reality.
도대체 무슨 일이 벌어지고 있는 걸까요? 피카소는 더 이상 사실주의를 추구하지 않는 것이 분명합니다. 이미지의 많은 부분이 2차원적이고 평면적으로 느껴지는데, 그는 더 이상 3차원 공간의 환상을 주려 하지 않기 때문입니다.
더 흥미로운 것은 오른쪽 아래 얼굴입니다. 아프리카 미술에서 영감을 받았지만, 분명히 뭔가 이상한 점이 있습니다. 얼굴의 요소들이 예상한 위치에 맞지 않고, 그림자도 어긋나 있어서 마치 여러 시점에서 사람을 바라보면서 그 모든 것을 평평한 표면에 담으려는 것 같습니다. 바로 그것이 피카소가 하려는 일입니다.
처음에 우리가 사실적인 드로잉에 대해 이야기했던 때를 기억하시나요? 그때 질감과 색감은 생생했고, 이미지는 깊이를 느꼈으며, 모든 것이 한 시점에서 보였죠. 피카소는 그 모든 것을 뒤집어 추상적이고 평면적이며 여러 시점에서 보는 무언가를 만들었습니다.
피카소는 ‘머리는 눈, 코, 입의 문제로, 원하는 대로 분배할 수 있다’고 말했다.
위의 “만돌린을 든 소녀” 같은 작품들은 한 시점이 아닙니다. 대신, 한 지점에서 코를 그린 후 몇 미터 왼쪽으로 이동해 그 지점에서 본 눈을 그린다고 상상해 보세요. 그리고 그 사람 위로 이동해 위에서 본 입술을 그립니다. 기이한 요소들의 혼합, 그림자가 사방에 드리워지고 아무것도 이해가 되지 않는 모습을 보게 될 것입니다. as shown in this video by MoMa.
이것을 전형적인 사실주의 회화와 비교해 보면, 입체파가 왜 그렇게 새롭고 기괴했는지 알 수 있습니다. Given how colour photography was taking off, 왜 화가들이 사진으로는 할 수 없는 무언가를 찾으려 했는지 상상할 수 있다. 만약 현실을 완벽하게 표현하는 도구가 있다면, 예술의 의미는 무엇일까? 피카소와 그의 동료들은 예술이 단순히 장면을 재현하는 것 이상의 무언가가 있다는 메시지를 전하려 한다.
콜라주
거의 같은 시기에 피카소와 Georges Braque 또한 시작 popularising collages. 이 작품은 여러 매체를 사용하는 최초의 예술 유형 중 하나로, 단순히 물감뿐만 아니라 다른 사물들도 캔버스에 붙여 놓았습니다. 여러 시점이 쌓이면서 그가 욕구를 갖게 되는 과정을 볼 수 있습니다 to put a collection of things together in search of meaning for a coherent whole.
“Still Life with Chair Caning”에서는 피카소가 그림 가장자리에 실제 밧줄을 두었고, 그 밧줄에는 의자 지팡이 모양(왼쪽 아래 의자에 쓰이는 갈색 소재)도 있고, 위에 기묘한 장면을 그렸습니다. 그는 최소 세 가지 종류의 것들로 콜라주를 만들고 있습니다.
왜 이게 이상하죠? 이전에는 모두가 그냥 그림을 그렸다는 걸 기억하세요. 의자 지팡이 이미지를 원한다면 직접 그렸을 거예요. 그냥 판화를 캔버스에 붙인 거라면 예술의 의미가 뭐겠어요? 그리고 그 위에 밧줄을 틀로 얹고, 기대하는 호화로운 액자와는 달리 피카소는 예술의 현상 유지를 거부하고 있어요.
그가 위에 무엇을 그리려 했는지 보기 어려웠고, this video 이 책이 보여주는 데 꽤 잘 도움이 됩니다. 자세히 보면 왼쪽 상단에 파이프, 가운데에 유리, 오른쪽에 칼, 과일, 냅킨이 있습니다. 앞서 언급했듯이 이 모든 것은 여러 뷰로 나뉘어 있어, “카페 테이블을 여러 각도에서 동시에 본다면 어떨까?”라는 궁금함이 생겼습니다.
초현실주의와 그 외
이후 피카소는 여러 시점에서 벗어나 자신이 시각화한 추상적인 방식으로 사물을 그리기 시작한다. 그는 모든 곳에서 조각들을 가져와 다양한 방식으로 조합하며, 그 대상을 구성하는 요소들을 가지고 놀아준다. He moves towards the surreal, unconcious, dreamlike styles that we saw in that first image. 이제는 현실에 대한 집착이 거의 없습니다 4.
“나는 사물을 내가 보는 대로 그리지 않고, 생각하는 대로 그려본다.”
그때부터 사망할 때까지 피카소는 예술을 계속 창작했다. mixing his styles and continuing to experiment. 추정치는 he did >13k paintings in his lifetime, which excludes tens of thousands more prints and illustrations. 그의 생전에 일부 작품은 혹평을 받았지만, 이후 다른 예술 운동의 선구자로 여겨지게 되었다.
결론 생각
이 짧은 역사에서 우리는 무엇을 배웠을까요?
- 피카소는 재능 있는 화가였고, 규칙을 깨기 시작할 때 자신이 무엇을 하는지 잘 알고 있었다
- 그의 발전 논리와 왜 그의 작업이 그런 식으로 발전했는지 추적할 수 있습니다
- 그는 방대한 양의 작품을 제작하며 끊임없이 다양한 시도를 했습니다. 오늘날 그는 최악이 아닌 최고의 작품으로 알려져 있습니다
피카소는 예술이 미적 요소를 넘어 매력을 지닌다는 것을 보여주었다. 당신은 그림이 아름답지 않다고 느낄 수도 있지만(나는 그렇지 않다), 그것이 핵심은 아니다. 그렇게 함으로써 그는 예술을 새로운 경계로 밀어붙였다.
오늘날 이것이 중요한가? 그가 다양한 관점을 섞었거나 여러 매체를 사용했거나 콜라주를 만들었는지 누가 신경 쓰겠는가? 피카소가 어떤 영향을 미쳤는가?
결정은 여러분이 하게 하겠습니다.
Footnotes
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Source is here. 레딧은 모르는 사람들을 위해 온라인 포럼입니다. ↩
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로스코, 너를 보고 있어. 좋아, 그들도 괜찮아, 그냥 난 별로 좋아하지 않을 뿐이야. 예술은 주관적이니까, 뭐 그런 거지. ↩
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적어도 피카소 쪽은 그렇고요. 주택 문제는 아직 미정이에요. ↩
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어떤 사람들은 피카소를 초현실주의자로 분류하지 않을 수도 있습니다. 여기서 댓글을 쓸 만큼 잘 알지 못합니다; 그림들이 초현실적으로 보입니다 ↩
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